삶과 죽음을 동시에 의미하는 색

삶과 죽음을 동시에 의미하는 색

 

녹색을 조심하십시오. 신뢰할 수 없습니다. Leonardo da Vinci는 이것을 알고 동시대 사람들에게 안료가 유독하고 불안정하다고 상기시켰습니다. 그는 녹색의 아름다움이 "자취 없이 사라질 것"이라고 경고했습니다. 녹색은 휘발성과 부패하기 쉽기 때문에 단순한 색상이 아니라 우리를 미지의 것과 연결하는 에너지입니다. 예술사의 팔레트에서 녹색을 제거하면 삶과 죽음 사이의 다리가 사라집니다. 피카소의 어린 친구 카를로스 카사게마스(20세의 상처받은 사랑 때문에 스스로 목숨을 끊었다)의 죽음의 초상화에서 그의 창백한 얼굴에 녹색이 얼고 삶과 죽음의 숨결이 함께 얽히며 동시에, 이 색상은 유쾌한 엽록소 불꽃으로 Claude Monet의 낙관적이며 항상 켜져 있는 녹색 캔버스에 불을 붙입니다.

녹색을 시도하는 것은 삶과 파괴 사이의 길을 걷는 것뿐만 아니라 삶과 죽음의 신비를 탐구하는 것입니다. 녹색은 부패와 활력을 동시에 나타내는 색으로 쇠퇴와 재탄생에 치우치지 않은 활력을 가지고 있습니다. 아마도 레오나르도가 다른 사람들에게 준 조언을 무시하고 그의 가장 유명하고 신비로운 주제인 모나리자가 그 색의 어두운 그늘을 사용하게 한 것은 녹색의 놀리는 모호함 때문이었을 것입니다. 문화사의 무의식 속에서 엄숙한 흑암으로 오해받았다.

Pate에 따르면 모나리자는 "여러 번 죽었고 무덤의 비밀을 알고 있었다"고 합니다.

짙은 녹색 옷을 입은 모나리자는 밤에 우리 영혼의 유리창에 떠 있으며 오랫동안 산과 영혼의 세계를 오가는 신비한 통근자로 여겨져 왔습니다. 19세기 영국 수필가인 월터 페이터(Walter Pater)는 "뱀파이어처럼" 그녀를 "여러 번 죽었고 무덤의 비밀을 알고 있다"고 묘사한 바 있다. 그녀 아래에 돌이 앉아 있다." 그는 모나리자가 오랜 세월에 걸쳐, 때로는 "심해의 잠수부"로, 때로는 "동양에서 온 상인들과 이상한 비즈니스 네트워크를 짜는" 영리한 거짓말쟁이로 다시 돌아오는 것을 상상하기 시작했습니다. Pate는 그녀가 입는 짙은 녹색 가운은 그녀가 상인의 아내임을 상징하며 그녀의 끊임없는 부활로 인해 그녀는 "트로이의 헬렌의 어머니"와 "성모 마리아"라고 말했습니다.

Leonardo da Vinci가 녹색을 채택하기 오래 전에 색상은 문화적 상상력에서 특별한 신비로운 위치를 부여받았습니다. 그린은 고대 이집트인들이 지하세계의 신 오시리스의 짙은 황록색 안색을 표현하기 위해 사용했던 녹청색 안색이다. 오시리스는 현재와 사후 세계를 연결하는 영혼의 통로를 지배하는 지하 세계의 통치자입니다. 기원전 13세기 이집트 18왕조의 마지막 파라오인 호렘헤브(Horemheb)의 무덤 벽에서 발견된 오시리스(Osiris)의 초상화는 매우 대표적이며, 가짜 파라오의 수염은 그가 의심할 여지 없는 탁월한 신임을 보여줍니다.

녹색은 고대 이집트의 지하 세계의 신인 오시리스를 묘사하는 데 사용되었습니다.

오시리스는 불사신이며 연속 부활로 간주되며 자연의 끝없는 삶을 지배하기도 합니다. 홍수와 식물의 번영을 관장했던 나뭇잎 모양의 오시리스는 결국 이집트 왕들의 영혼에 부활의 길을 제시할 것이라고 믿어집니다.

식물과 동물

수천 년 동안 녹색은 분쇄된 공작석에서 갈매나무 수액에 이르기까지 모든 종류의 창의적인 연금술을 통해 얻어졌습니다. 녹청(더 일반적으로 사용되는 녹색 안료) - 레오나르도의 가장 신중한 색상 중 하나이기도 합니다. 녹청은 황동이나 구리 칼날을 포도주에 오랜 시간 담그는 기이한 의식을 통해 만들어집니다.

담그고 나면 금속 표면에 녹색 아세트산 크러스트가 형성되며 금속 표면을 긁어서 안료로 분쇄할 수 있습니다. 녹청은 16세기 덴마크 천문학자 Tycho Brahe의 유해를 발굴한 과학자들에 의해 최근 확인된 바와 같이 한 때 화학적 작용에 의해 생성된 녹색 유령이었습니다. 역사 기록에 따르면 브라헤는 1566년 펜싱 결투에서 코를 잃어 위장하기 위해 종종 가짜 코를 썼고 과학자들은 그의 아름다운 두개골에서 녹청의 흔적을 발견했습니다. 오시리스의 제자처럼 2012년 브라헤의 시신이 재발견됐다.

녹색은 풍요로운 삶뿐 아니라 죽음도 표현하며, 고대부터 현대에 이르기까지 수많은 걸작들이 녹색을 사용하여 기대에 가득 찬 우리의 눈을 만족시킵니다. 네덜란드의 위대한 르네상스 화가인 얀 반 에이크(Jan van Eyck)의 The Arnolfini Portait(1434)에서 녹색 로브를 입은 Arnolfini는 부풀어 오른 배에 지친 손을 부드럽게 올려놓았습니다. 그녀의 체형이든 자세든 몸짓이든 우리 현대인의 마음은 그녀가 임신한 것이 아닌가 하는 궁금증을 자아내기에 충분하다. 그러나 미술사가들은 그것이 묘사된 것이 임신이 아닐 수도 있다고 생각합니다. 학자들은 우리 눈에 떨어지는 광대한 녹색이 아이들의 행복을 바라는 그림 속의 여성을 상징할 가능성이 더 높다고 믿습니다. 녹색은 봄의 색이며 영원을 상징하기 때문입니다.

"Arnolfinis의 초상화"에서 Jan van Eyck는 녹색을 사용하여 생명의 증식을 상징하지만 학자들은 그림의 여성이 임신하지 않았다고 믿습니다.

이 불가사의한 초상화를 다시 읽는 것은 녹색이 삶과 죽음을 결합할 수 있다는 부조리를 증폭시킬 뿐입니다. 한 가지 설명은 Ike의 작품에서 여성은 그림의 남성인 Arnolfini의 두 아내와 그의 첫 번째 아내가 출산 중에 사망한 조합이라는 것입니다. 이 견해의 지지자들은 그녀의 머리 위의 꺼진 촛불 심지와 같이 그림에서 자주 나타나는 죽음에 대한 은유를 지적합니다. 물론 뒤편에 있는 복잡한 모양의 볼록 거울은 부부의 등을 일그러뜨려 현실의 다른 변종으로 만드는 반면, 그림은 자기 분열의 섬뜩한 감각을 반영합니다. 삶과 죽음에 대한 우리의 호기심 많은 탐구를 암시적으로 전달하는 한 가지 색이 있다면 그것은 녹색입니다.

Constable의 Hay Wagon(1821)의 맑은 물은 그림의 시대와 예술가의 어린 시절 사이의 경계를 나타냅니다.

Green의 이야기는 예술에 깊숙이 뿌리를 둔 내러티브가 이 세상에 덧없는 미스터리를 뿌리며 계속됩니다. John Constable의 낭만적인 풍경의 걸작 "Hay Wain"에서 스투어 강의 황갈색 둑을 덮고 있는 탁하고 맑은 물은 예술가가 지금 여기에서 보는 것, 어린 시절부터 그의 마음을 괴롭혀온 세상과의 분리를 설명합니다. 그림 속의 여름 나물을 유심히 관찰하고, 전경에 있는 강아지는 숨이 막힐 것 같고, 기병과 나무 통의 유령은 거의 알아볼 수 없습니다. 신비한 마법으로.

Constable은 하늘의 구름을 정밀하게 관찰한 공로로 인정받았지만 흙빛 톤과 흙 질감의 대가이기도 했습니다. 그는 '건초 마차'에서 녹색 비단을 짜는데, 이 색이 나라에 대한 향수를 강하게 전달할 수 있기 때문에 사람들의 향수를 불러일으키는 기억 속에서 나라는 항상 시들어 가는 상실과 밝은 깨달음 사이에 있다.

눈에 잘 띄지 않게 숨겨진

최근의 예술적 표현의 시대에 녹색은 드러나는 만큼 숨기는 신비한 색으로 남아 있습니다. Paul Gauguin의 획기적인 상징주의 그림 Green Christ(1889)는 이 색상의 모순된 의미를 장난스럽게 매쉬업한 것입니다. 그림 중간에 죽은 예수의 석상 위에 투명한 이끼 층이 꿰매어진 두 번째 피부를 닮았다. 동상 그늘에는 브르타뉴 여성이 서 있었고, 그녀의 얼굴은 마치 그녀가 살았던 물질적 세계와 다가올 신비한 세계 사이에 존재하는 색처럼 생사를 알 수 없는 상태에 접어든 듯한 우울한 녹색이었습니다. 신체.

벨기에 초현실주의 화가 르네 마그리트(Rene Magritte)의 유명한 반자화상(Anti-self-portrait)(1964)은 관객이 작가의 얼굴의 주요 특징을 볼 수 없도록 하여 초상화의 논리를 깨뜨렸습니다. 상상할 수 있는 사과. Magritte는 인터뷰에서 "우리가 보는 모든 것은 다른 것을 숨기고 우리는 항상 우리가 보지 못하는 것을 보고 싶어합니다. 매우 관심이 있습니다. 이 관심은 강한 느낌, 숨겨진 보이는 것으로 설명할 수 있는 것 사이의 갈등으로 나타날 수 있습니다. 그리고 제시된 보이는."

"The Bather"에서 Scu는 Matisse의 "Bathers by the River"의 캐릭터를 대체하기 위해 세로 줄무늬를 사용합니다.

아일랜드계 미국인 추상화가 숀 스컬리보다 숨은 보이는 것과 보이지 않는 것의 리듬을 잘 아는 현대 예술가는 없습니다. Scully의 The Bather(1983)의 굵은 세로 줄무늬는 70년 전 Henri Matisse의 "Bather by a River"에서 영감을 받았습니다. 그 상자 같은 돌출부는 박물관 관객의 시각적 공간을 물리적으로 침범함으로써 스컬리 작업의 구조적 의미를 심화시킨다. Scully의 몸통 너비 줄무늬에 사용된 무화과나무 녹색은 수세기 동안 예술가들이 바랐던 것, 즉 불멸의 녹색을 가장 순수한 시각적 감각으로 바꾸는 것을 성공적으로 달성했습니다.